Mestre Jackson

"Neguinho do Samba le dio el nombre a los ritmos que estábamos desarrollando en Olodum"

A finales de los ´80 el samba reggae generó en Brasil una revolución musical de resonancia universal. Uno de sus creadores, miembro original de Olodum, explica las claves de su importancia musical y sociocultural.

Diego Oscar Ramos - 2011  

  Desde la Bossa Nova al final de la década del ´50, pocas creaciones musicales del Brasil han generado un impacto global tan intenso como lo hiciera el samba reggae en la década del ´80. Fuente de actualización de la carrera de músicos como Paul Simon, David Byrne o Michael Jackson - en una era en la que la etiqueta de mercado World Music pedía incorporar cada vez más sonoridades y estructuras musicales novedosas para el oído formateado por las industrias musicales occidentales - la revolución percusiva tuvo su ícono en la banda Olodum. Hay que recordar que aún no existía Internet con sus posibilidades de compartir música online y la búsqueda de información estética podía realmente refrescar la obra de músicos que precisaban de un cambio que parecía no poder brotar de las fuentes del llamado rock progresivo en los ´70. Y si el auge que tuvieron en Estados Unidos las músicas de raíz negra - del soul al funk - mostraba una puesta en juego de la potencia de vida de la cultura afro, el black is beautiful de las clases negras norteamericanas llegó a la ciudad más negra de Brasil con un condimento intermedio. 
     Fue el reggae de Jamaica, que ya había enamorado a figuras de la aristocracia del rock mundial como Paul Mc Cartney o Mick Jagger, el ritmo que imantó con su cadencia hipnótica a todos los habitantes de Salvador. En la Bahía con un 80 por ciento de población negra, el lema "Negro é lindo" tradujo a su idioma la reivindicación norteamericana y aportó su propia mezcla musical. El reggae jamaiquino fue llegando como elemento atractivo y entró en los blocos afros, entidades culturales reunidas en torno al carnaval como oportunidad de expresión de identidad. Y fue en el seno de Olodum, una de estas agrupaciones, que el ritmo que proyectó el mensaje libertario de Bob Marley se unió a toda una serie de formas musicales locales, tanto africanas como indígenas, además de nutrirse con rítmicas cubanas. El cóctel  probó su efectividad en los carnavales de 1986 y desde allí cobró fama nacional, antes de universalizarse. Claro que en el camino - antes y después de ser apreciado mundialmente en la era del video clip con músicas como They don´t care about us de Michael Jackson - fue pasando de ser una música insignia de la raza negra a una de las fuentes musicales de un movimiento bahiano conocido como Axé. Uno de los protagonistas del génesis del movimiento fue el músico bahiano Mestre Jackson, uno de los miembros fundacionales de Olodum junto a Neguinho do Samba. Sus palabras sirven hoy para aportar una mirada interna al relato necesario sobre la historia del samba reggae. 

- ¿Qué importancia le da al samba reggae como ritmo dentro de la historia de la música brasileira?

- La percusión hoy es la base de la música popular brasilera, eso lo sabemos. El samba reggae fue el puntapié inicial con su batida afro, a través de sus tambores en la música de Olodum, después se fue volviendo Afro-Pop por interés de las bandas bahianas que aprovecharon la batida de los tambores y se unieron a instrumentos electrónicos.  Y fue ahí que el ritmo se expandió, a pesar de que Olodum se destacaba nacionalmente e internacionalmente, bandas como Reflexus, Banda Mel, Margareth Menezes, cantando las letras do Olodum, fueron piezas importantes para difundir el ritmo. Es bueno decir que el movimento Samba Reggae no es sólo la batida, las músicas de los compositores de Olodum fueron fundamentales: Luciano Gomes, Rei Zulú, Valmir Brito, Itamar Tropicallya, Tonho Materia, entre otros, hicieron bellas canciones.  Actualmente el percusionista bahiano se convirtió en pieza clave del movimiento Samba Reggae  en el país y en el mundo, gracias a Carlinhos Brown que hizo que los instrumentos como el timbal y los tres surdos fuesen elementos importantes para el movimento percusivo de la world music. Muchos de esos músicos pasaron por Olodum y Timbalada.

- Muchas personas no conocen a diferencia entre el samba reggae y el axé, ¿puede hablar sobre eso?

- Claro,  voy a hacer una comparación con el ritmo ijexá que es tocado en los Filhos de Gandhi, es un ijexá primitivo correcto. Ahora vea, en el ijexá tocado por Gilberto Gil o María Bethania, el ritmo es el mismo, la diferencia es que el artista lleva el ritmo al escenario con la sumatoria de lo electrónico. El Axé Music fue una forma de llamar a la música grabada por Daniela Mercury, músicas de compositores, que es la misma hecha para Olodum e Ilê Ayê, Muzenza, en sus ensayos y en sus discos. ¡Es samba reggae! Ahora sabemos que algunas bandas tocan otros ritmos como frevo, galope, reggae, samba, poniendo todo eso encima de un trío eléctrico en el carnaval se vuelve axé.

- ¿Es cierto que el nombre axé tuvo al principio una connotación negativa un poco prejuiciosa para una música nueva hecha en Bahía?

- Antes tuvimos artistas ya exitosos en Brasil, con un estilo de música sin el título de axé: A Cor do Som, Sarajane, Luis Caldas, Chiclete com Banana, Banda Refrexus. Creo que la grabadora Sony Music y los estudios WR,  buscaron dar nombre al movimiento Axé como una música negra hecha en Salvador,  haciendo surgir a Daniela como la “Reina del Axé”. El poder de las grabadoras y los intereses de diversos empresarios que invirtieron fuerte en  esa marca Axé.  El samba reggae venía corriendo por fuera de eso, gracias a la riqueza y la belleza de los blocos afros, por su música y la batida percusiva cada vez más creativa. Hubo polémica, sí: ¿Cómo podía Daniela hacer una música de matriz afro que era llamada Axé Music  y Margarereth Menezes, haciendo la misma música, ser llamada como samba reggae? El prejuicio comienza en la prensa nacional, ya que para ellos todo en Bahía era axé,  porque todo venía del éxito del carnaval. 

- ¿Podría contar cómo nació el ritmo en sí y qué rol tuvieron usted y Neguinho do Samba?

- Ese asunto sería importante mostrarlo de forma práctica, pero vamos. Los blocos de percusión de Salvador tuvieron una influencia del samba, principalmente en los años 60-70, aquí ya tuvimos Escolas de samba y se tocaba igual que en las escolas de Río de Janeiro. Después fueron surgiendo los blocos  de Indio, y esa batida comenzó a ser marcada por la cadencia de sus músicas con temas indígenas norteamericanos. Entonces la batida de los blocos, comenzaba a ser un samba más cadencioso, comparado a los de las escolas de samba. Neguinho y yo eramos ritmistas de diversos blocos de la época. Neguinho era diferente, porque venia de un terreiro de candomblé y solamente tocaba con dos aguidavis, baquetas específicas del candomblé, y a los directores de batería de la época no les gustaba que tocase de esa manera en el repique, que era un instrumento que se tocaba con baqueta de caixa en una de las manos y la otra con la propia mano. igual que con el ripinique de Río de Janeiro. El cambio rítmico comienza con un director llamado Valdir Laskada, en un bloco de caños y percusión, llamado Os Corujas,  aumenta dos baquetas en los surdos de marcação. Ahí los ritmos comienzan a tener un nuevo swing. En 1982, en un ensayo de Olodum, bajo la dirección de Valdir Laskada,  sube un compositor  llamado Dijalma Luis y cantó una música llamada Coração Rastafari, un homenaje a Bob Marley. Era totalmente diferente de lo que estábamos acostumbrados a oír y tocar  en los ensayos. Después Valdir comenzó a acompañar la música con la misma forma de la célula de la guitarra en el reggae y surge allí la primeira batida de samba reggae. El tiempo pasó y Neguinho do samba fue invitado a ser director de Olodum, y yo como segundo director, ya que era ritmista de Olodum desde su fundación en 1979. Entonces comenzaron a surgir diferencias en términos de  ritmos: Neguinho variaba mucho con sus baquetas en los repiques  y yo dirigiendo el grupo de surdos. Cierto día yo estaba estudiando ritmos cubanos, ya que el tema de Olodum para o carnaval de 1985 era Cuba, decidí poner una base parecida con el merengue - el nombre que se le da hasta hoy a uno de los ritmos del grupo - sólo que ese mismo ritmo explotó musicalmente al año siguiente con la temática Egipto, en el tema Faraó de Luciano Gomes. Entonces los ritmos fueron surgiendo naturalmente en una cascada extraordinaria, Mestre Jackson y Neguinho do Samba, ambos creando otras batidas e introduciendo la clave de salsa a los tambores. Entonces Neguinho do Samba da él mismo el nombre a los ritmos que estábamos desarrollando en Olodum: Samba Reggae.

- Suele hablarse de Olodum para pensar en el samba reggae, pero ¿no es mucho más? 

- Hoy hay mucha gente tocando samba reggae,  bien diferente de aquel del tiempo de su creación, cuando surgió sólo con los tambores. El proprio Olodum  tuvo la necesidad de aumentar los instrumentos eléctricos por el mercado fonográfico.  Y en 1990, yo ya siendo parte de la banda Raízes do Pelô, agrego a los tambores guitarra, teclado y bajo. Fuimos pioneiros como banda de percusión, y después vino Ara Ketu. El Samba Reggae se volvió Afro Pop. Hubo un documental reciente en TVE, que destacó aspectos extra musicales de la cultura samba reggae: el impacto en la vestimenta y en el propio comportamiento de los instrumentistas, directores y artistas. No se dedica a abordar la polémica cuestión sobre la paternidad del ritmo. Lo que puedo decir es que el ritmo surge dentro do Olodum y ellos mantienen esa bandera hace 32 años. Claro que vienen surgiendo nuevos movimientos y nuevas bandas, como la suma del timbal en Timbalada por Carlinhos Brown. No cambia mucha cosa. Todos están haciendo samba reggae.

- ¿Qué piensa de lo que pasó con la música de Bahía después de la fama del ritmo, desde los ´80 hasta ahora? ¿Cambió algo dentro de la importancia que el Brasil entero le daba a Bahía como fuente cultural?

- Es en la cuadra de ensayo de Maciel – Pelourinho en un período en que el Pelô era degradado y mal visto, a través de sus músicas Olodum despierta la atención de autoridades gubernamentales que comienzan a recuperar el centro histórico. Eso cambió totalmente la estética cultural de Pelourinho. Entonces las estrellas de la música internacional, como Paul Simon y Michael Jackson, y de la MPB, como Gilberto Gil, Margareth Menezes, Caetano Veloso, Daniela Mercury, Gal Costa y otros comienzan a ver y escuchar a Olodum y visitar el Pelourinho, percibiendo allí una fuente de cultura social y de ciudadanía muy  fuerte. Olodum comienza a ganar popularidad hasta hoy con su música, su ritmo y sus proyectos. Olodum con su samba reggae transforma la manera de hacer música y también el carnaval.

- ¿Qué importancia cree que tuvo el músico argentino Ramiro Musotto para el desarrollo del samba reggae en los estudios de grabación de Bahía?

- Ramiro Musotto tuvo un papel fundamental en los estudios de grabación con el ritmo percusivo, ya que él vivía los tambores de la calle, investigó como nadie las batidas de los blocos afros. Hablo así porque él percibió que más allá del samba reggae de Olodum existía una batida que él amó como nadie, la que llamamos hoy "batida do Ilê". Ese ritmo es exactamente, como lo expliqué anteriomente, el que todos los blocos tocaron. Y él grabó mucho con Daniela Mercury las músicas de Ilê Ayê. Lo más interesante es que Ramiro sampleaba las batidas de batería por haber sido el pionero aquí en Salvador. Hizo eso como nadie. Ahora, cuando él mismo no grababa las percusiones, invitaba a los ritmistas de la calle, para poner algo de ellos en los estudios y aprender un poco más. El Cd Canto da Cidade de Daniela y el de los Meninos do Pelô, tuvieron un buen resultado. Y ahí grabé por invitación de Ramiro.

- ¿Qué vigencia tiene el samba reggae dentro de las nuevas generaciones?

- Cuando dejé Olodum formé la banda Raízes do Pelô, y terminé participando de varios grupos de percusión. Al inicio de los años ´90 comenzó a darse una verdadera revolución musical: se formaron pequeños grupos de percusión, organizados por jóvenes de bajos recursos, en los principales barrios de Salvador. Debido a la gran influencia de Olodum, Raízes do Pelô y el samba reggae muchos chicos comenzaron a tocar sobre latas en las esquinas, tocando en bidones de plástico y otros materiales alternativos. Con el pasar del tiempo esa forma de diversión fue creando raíces, pasando a ser trabajada desde el punto de vista técnico y profesional. En los días presentes la percusión está siendo usada de formas bastante positivas. En Salvador el proceso cultural se viene desarrollando como una forma eficiente de sacar a los chicos y adolescentes de las calles, de darles un oficio y una ocupación, alejándolos de las drogas y del crimen. Y abriendo nuevas perspectivas de vida y realización. La percusión se ha ido transformando en un elemento fundamental en la socialización e inclusión de las poblaciones carenciadas, especialmente los jóvenes entre 14 y 24 años, los más desprotegidos por los poderes públicos. En los barrios más pobres de la capital, entonces surgen escuelas e instituciones que sacan a los jóvenes de las calles para enseñarles el arte de la percusión, integrándolos a la sociedad a través de las manifestaciones  artísticas. La acción social de organizaciones como Olodum, Ilê-Ayê, Projeto Axé, Bagunçasso, Didá Escola Feminina, Escola Pracatum de Carlinhos Brown, Escola Percussiva Integral del músico Wilson Café, Meninos do Pelô de  Mestre Prego son ejemplos simbólicos de esta actuación. Hoy tenemos diversas bandas de percusión en el mundo haciendo samba reggae.

- Más allá de Olodum, ¿qué importancia siente que tuvieron cantantes como Margareth Menezes, Daniela Mercury e Ivete Sangalo?

- Margareth Menezes era la que, de lejos, tenía menos presencia en los medios y tenía las canciones menos pasadas en las radios nacionales, más allá de que fuese la primera en lanzar, con un éxito estruendoso, la fórmula musical del samba reggae. Margareth lidera hoy en el carnaval el movimiento Afro-Pop Brasileiro, que reúne los blocos afros – matrices de la música bahiana que realmente interesa al mundo, tocando el samba reggae puro. Ya Daniela Mercury, por su parte, le dio visibilidad al ritmo. Ella es una de las mayores difusoras del estilo musical en Brasil y el mundo, con el disco Canto da Cidade (1992) dirigido por Ramiro Musotto y en el cual participé de las grabaciones.  A pesar de ser reconocida como reina del Axé, el samba reggae fue siempre importante para su carrera. Ivete Sangalo ya entra en la era del novo Axé. Nunca portó la bandera del samba reggae, a pesar de cantar diversos géneros. Cuando interpreta un samba reggae su banda demuestra una calidad  percusiva maravillosa, con tres percusionistas que parecen en el fondo a Olodum. Hablo de esta forma porque uno de sus músicos, Marcio Brasil, fue mi alumno en  la banda Mirim de Olodum, y conozco su talento tocando samba reggae. Más allá de ellas, destaco a Carlinhos Brown, por ser el músico que en la actualidad representa más a la percusión bahiana en el exterior. Hoy él es referencia.

- Y por último, ¿qué siente que le debe al samba reggae para su propria historia como músico? ¿Y cuánto le debe el samba reggae a usted?

- Lo que sé es que tengo una parte muy importante en ese movimiento y merezco respeto. Formo parte de esa historia, además de colaborar con la trayectoria de Olodum, soy uno de los creadores del samba reggae junto con el Grande Maestro Neguinho do Samba. Y responsable por la conservación y evolución de la batida afro baiana, llamada Axé Music. Sólo puedo agradecer por haber tenido el placer de “swingar” en esa levada bahiana que ya traspasó con su influencia las fronteras. Y también por ser mestre en un arte, tener mi nombre en la história de la percussão de Olodum y de Bahía. Y además por pasar ese oficio a los jóvenes con todo amor y generosidad del mundo para aquellos que más precisam de fuerza, ayuda e inclusión social a través de la percusión. El repique de los tambores trae mucha gente del mundo para esta tierra mágica llamada Salvador da Bahia. Sabemos que el samba reggae hoy es reconocido y muy bien tocado internacionalmente en los cuatro puntos de la Tierra. Ahora tenemos que mantener la calidad de los tambores aquí en Salvador, porque los actuales directores de las bandas de blocos afros están muy repetitivos, haciendo las mismas células. La exposición del ritmo creó un desgaste percusivo enorme y el samba reggae sólo tiene fuerza en el carnaval. Creo que podemos mantener el movimento samba reggae todavía por mucho  tiempo, pero necesita restructuración, principalmente en quien parió el ritmo. El movimiento Os Tambores de Rua tienen mucho para dar, como música de connotación Afro-Pop. Estoy organizando un proyecto percusivo y pretendo enriquecer los tambores con levadas, ritmos y swings diferentes a los existentes en el samba reggae. Y aportando nuevos percusionistas al mercado, ese legado no puede morir. ¡Yo vivo samba reggae!

"O Neguinho do Samba dá nome ao ritmos que estavamos desenvolvendo no Olodum".

- Que importancia você acha que tem o samba reggae como ritmo dentro da historia da musica brasileira?

- A percussão hoje é a base da Música Popular Brasileira (MPB), isso nois sabemos. O Samba Reggae foi o pontapé inicial com sua batida afro, através dos seus tambores na musica do Olodum, depois ele foi se tornando Afro-Pop por interesse das bandas baianas que aproveitaram a batida dos tambores, e  juntaram se com os instrumentos eletronicos.  E foi daí que o ritmo se expandiu, apesar que o Olodum se destacava nacionalmente e internacionalmente, bandas como Reflexus, Banda Mel, Margareth Menezes, entre outros, cantando as letras do Olodum foram peças importantes para difundir o ritmo. E bom dizer que o movimento Samba Reggae não é só a batida, as musicas dos compositores do Olodum foram fundamentais: Luciano Gomes, Rei Zulú, Valmir Brito, Itamar Tropicallya, Tonho Materia, entre outros, fizeram belas canções.  Atualmente o percussionista  baiano se tornou peça-chave no movimento Samba Reggae  no país e no mundo, graças a Carlinhos Brown que fez com que os instrumentos como o timbal (e os três surdos), fossem peças importantes para o movimento percussivo da  world music, muito desses musicos passaram pelo o Olodum e Timbalada.

- Muitas pessoas não conhecem a diferenca entre o samba reggae e o axé, poderia falar disso? 

- Claro,  vou fazer uma comparação com o ritmo ijexá que é tocado nos Filhos de Gandhi, ele é um ijexá primitivo certo. Agora veja, no ijexá tocado por Gilberto Gil, Maria Bethania, entre outros, o ritmo é o mesmo, a diferença é que o artista trás o ritmo para  palco com o acréscimo do eletrónico. O Axé Music  foi uma forma de intitular a musica gravada por Daniela Mercury, musicas de compositores, que é a mesma feita para Olodum e Ilê Ayê, Muzenza, nos seus ensaios e nos seus discos. É  Samba Reggae! Agora sabemos que algumas bandas tocam outros ritmos como frevo, galope, reggae, samba, botando tudo isso em cima de um trio eletrico no Carnaval se torna Axé.

- É certo que o nome axé teve ao inicio uma conotacão negativa, um pouco preconceituosa para a musica nova feita na Bahia nos anos 80?

- Antes tivemos artistas já estourados no Brasil com um estilo de musica sem titulo de axé: A Cor do Som, Sarajane, Luis Caldas, Chiclete com Banana, Banda Refrexus. Eu acredito que a gravadora Sony Music e os estudios WR,  buscaram dá nome ao movimento Axé como uma musica negra feita em Salvador,  despontando a Daniela como a “Rainha do Axé”. O Poder das Gravadoras e os interesses de diversos empresarios que investiram pesado nessa marca Axé.  O Samba Reggae vinha correndo por fora, graças a riqueza e a beleza do blocos afros, pela sua musica e a batida percussiva cada vez más criativa. Houve polemica sim. Cómo poderia Daniela fazer  uma musica de matriz afro ser chamada de Axé Music  e Margarereth Menezes, fazendo a mesma musica, ser chamada de samba reggae? O preconceito começa na imprensa nacional, que para eles tudo na Bahia era Axé,  porque tudo vinha do sucesso no Carnaval.

- Poderia contar bem a historia de como nasceu o ritmo de samba reggae? que rol teve você naquele momento e que rol teve o Neguinho do Samba?

- Esse assunto seria importante mostrar na prática, mas vamos lá. Os blocos de percussão de Salvador  tiveram uma influência do Samba, principalmente nos anos 60-70, aqui já tivemos Escolas de samba e se tocava igual as escolas do Rio de Janeiro. Depois foram surgindo os blocos  de Indio, e essa batida começou a ser marcada pela cadencia de suas musicas com temas indigenas norte americanos, então a batida dos blocos, começava ser um samba mais cadenciado, comparado aos das escolas de samba. Eu e o Neguinho, nós eramos ritmistas de diversos  blocos da época, o Neguinho ele era diferenciado, porque ele veio de terreiro de candomblé e só tocava com dois aguidavis - baquetas especificas do candomble - e os diretores de bateria da época, não gostavam que ele tocasse daquele jeito no repique, que era um instrumento que se tocava com baqueta de caixa em uma das mãos e a outra com a propia mão, semelhante como no ripinique do Rio de Janeiro. A mudança ritmica começa com um diretor chamado Valdir Laskada, em um bloco de sopro e percussão, chamado Os Corujas,  ele acrescenta duas baquetas nos surdos de marcação, daí os ritmos começam ter um novo swing.  Em 1982, em um ensaio do Olodum, a banda  sobe a regência de Valdir Laskada,  sobe um compositor  chamado Dijalma Luis e canta uma musica chamada Coração Rastafari,  uma homenagem a Bob Marley, era totalmente diferente do que estavamos acustumado a ouvir e a tocar nos ensaios,  logo Valdir começa acompanhar a musica na mesma forma da celula de guitarra, em reggae, então surge ali a primeira batida de samba reggae. O tempo passa e Neguinho do samba é convidado a ser regente da banda Olodum, e eu o segundo regente  já que eu era ritmista do Olodum desde a sua fundação em 1979. Então começa a surgir  o diferencial em termo de ritmos: o Neguinho variava muito com suas baquetas nos repiques  e eu regendo o nipe de surdos. Certo dia eu estudando ritmos cubanos, já que o tema do Olodum para o carnaval de 1995 era Cuba, resolvi botar uma base parecida com o merengue, e nome dado a  um dos ritmos do Olodum até hoje, só que esse mesmo ritmo veio a explodir musicalmente no ano seguinte com o tema Egito,  na musica Faraó de Luciano Gomes.  Então os ritmos foram surgindo naturalmente em uma casadinha extraordinaria Mestre Jackson e Neguinho do Samba, ambos, criando outras batidas, e introduzindo a clave de salsa aos Tambores. Então o Neguinho do Samba o próprio, dá  nome ao ritmos que estavamos desenvolvendo no Olodum, Samba Reggae.

- Muitas pessoas falam de Olodum para pensar no samba reggae, mais é muito mais que Olodum, é assim? Você que acha disso?

- Hoje tem muita gente tocando samba reggae,  bem diferente da sua criação de quando surgiu,  só com os Tambores. O proprio Olodum  teve a nescessidade de acrescentar os instrumentos elétricos devido o mercado fonográfico.  E em 1990, eu  já fazendo parte da Banda Raízes do Pelô, acrescento aos tambores guitarra, teclado e baixo. Fomos pioneiros como banda de percussão, e logo depois vem o Ara Ketu. Com os tambores o Samba Reggae se torna Afro Pop. Ouve um documentario recente aqui na TVE, em que o programa destaca aspectos extra-musicais da cultura samba reggae, o impacto no visual e no próprio comportamento de instrumentistas,  regentes e artistas. Não se furta a abordar a polêmica questão sobre a paternidade do ritmo. O que posso dizer é que o ritmo surge dentro do Olodum, e eles mantêm essa bandeira há 32 anos, claro que vêm surgindo novos movimentos e novas bandas, como o acréscimo do Timbal na Timbalada por Carlinhos Brown. Não muda muita coisa: todos estão fazendo Samba Reggae.

- Que pensa você do que aconteceu com a musica na Bahia depois da fama do ritmo, desde os anos 80 ate agora? Mudou algo dentro da importancia que o Brasil inteiro dava para a Bahia como fonte de cultura?

 - È na quadra de ensaio do Maciel – Pelourinho num periodo em que o pelô era degradado e mal visto, o Olodum através de suas musicas desperta a atenção de autoridades govenamentais que começam a recuperar o Centro Historico, isso  mudou totalmente a estética cultural do Pelourinho. Então as estrelas da música internacional como Paul Simon e Michael Jackson, e da MPB, como Gilberto Gil, Margareth Menezes, Caetano Veloso, Daniela Mercury, Gal Costa e outros começam ver e ouvir o Olodum e visitar o Pelourinho, percebendo ali uma fonte de cultura social e de cidadania, muito forte. O Olodum começa a ganhar notoriedae com sua musica, seu ritmo e com os seus projetos ate hoje. E isso, o Olodum do Marciel-Pelourinho com o seu samba reggae transforma a maneira de fazer musica  e fazer carnaval.

- Qué importancia você acha que teve o argentino Ramiro Musotto para o desenvolvimento do samba reggae nos estudos de gravacão da Bahia?

- Ramiro Musotto teve un papel fundamental nos estudios de gravação com o ritmo percussivo, já que ele vivia os tambores de rua, pesquisou como ninguem a batidas dos blocos afros. Falo assim porque ele percebeu  que alem do samba reggae do Olodum, existia uma batida que ele amou como niguem, que chamamos hoje como batida do Ilê. Esse ritmo é exatamente, como eu explico anteriomente, o ritmo que todos os blocos  tocaram. E ele gravou muito com Daniela Mercury as musicas do Ilê Ayê. O mais interessante é que o Ramiro sampleava as batidas de bateria por ter sido o pioneiro aqui em Salvador. Fez isso como ninguem. Agora, percussão quando ele mesmo não gravava, convidava os ritmistas de rua para botar algo nos estudios e aprender um pouco mais. O Cd Canto da Cidade  da Daniela e o dos Meninos do Pelô, teveram um bom resultado. E eu gravei a convite do Ramiro. 

- Qué vigencia tem hoje o samba reggae dentro das novas geracôes?

- Eu, quando deixei o Olodum, formei a banda Raízes do Pelô, e acabei espirando vários outros grupos de percussão. No inicio dos anos 90 passou a acontecer uma verdadeira revolução musical: formaram-se pequenos grupos de percussão, organizados por jovens de baixa renda, nos principais bairros de Salvador. Devido à grande evidencia da banda Olodum e Banda Raízes do Pelô e o samba reggae surgiram crianças batendo latas nos quintais e esquinas, tocando em bujões plásticos e materiais alternativos. Com o passar do tempo essa pequena forma de lazer foi criando raízes, passando a ser trabalhada do ponto de vista técnico e profissional. Nos dias atuais a percussão vem sendo usada de varias formas bastante positivas. Em salvador o processo cultural vem se constituindo em uma forma eficiente de retirar as crianças e adolescentes das ruas, de dar-lhes um oficio e uma ocupação afastando-os das drogas e do crime e abrindo novas perspectivas de vida e realização. A percussão vem se transformando em um elemento fundamental na socialização e na inclusão das populações carentes, especialmente os jovens entre 14 a 24 anos, os mais desassistidos pelos os poderes públicos. Nos bairros mais pobres da capital, então é que surgem escolas e instituições que retiram os jovens das ruas para ensiná-los a arte da percussão, integrando-os a sociedade através das manifestações artísticas. A ação social de organizações, como: Olodum, Ilê-Ayê, Projeto Axé, Bagunçasso, Didá escola feminina, Escola Pracatum de Carlinhos Brown, Escola percussiva integral do musico Wilson Café, Meninos do Pelô do mestre Prego são exemplos simbólicos desta atuação. Hoje temos diversas bandas de percussão no mundo afora fazendo samba reggae.

- Alem de Olodum que importancia você acha que tiveram e tem ate hoje cantoras como Margareth Menezes, Daniela Mercury e a Ivete Sangalo?

- Margareth Menezes, era a que, de longe, possuía menos presença na mídia e tinha as suas canções menos executadas nas rádios nacionais, embora a primeira a lançar, com estrondoso sucesso, a fórmula musical do samba-reggae. Margareth lidera hoje no carnaval o movimento Afro-Pop Brasileiro, que reúne os blocos afros – matrizes da música baiana que realmente interessa ao mundo, tocando o puro samba reggae. Já a Daniela Mercury, por sua vez, deu visibilidade ao ritmo. Ela é uma das maiores difusoras do estilo musical no Brasil e no Mundo, com o disco O Canto da Cidade (1992) dirigido por Ramiro Musotto e no qual eu participei das gravações.  Apesar de ser reconhecida como Rainha do Axé, o samba reggae sempre foi importante para a sua carreira.  Ivete Sangalo já entra na era do novo Axé. Nunca levantou a bandeira do samba reggae, apesar de cantar diversos gêneros. Quando interpreta um samba reggae a sua banda demostra uma qualidade percussiva maravilhosa, com três percussionistas que parecem a banda Olodum no fundo. Falo dessa forma porque um dos seus músicos,  o Marcio Brasil, foi meu aluno na banda Mirim do Olodum e conheço o seu talento tocando samba reggae. Alem delas, eu destaco o Carlinhos Brown, por ser o músico na atualidade que mais representa a percussão baiana mundo afora. Hoje ele é referencia.

- E por ultimo, qué sente que você mesmo deve ao samba reggae para a tua propria historia como musico? e cuanto debe a você o samba reggae como genero?

- O que eu sei é que tenho uma parcela muito grande nesse movimento e mereço respeito. Faço parte dessa historia, alem de colaborar com a tragetoria do Olodum, sou  um dos criadores do samba reggae juntamente  com o  Grande Maestro Neguinho do Samba e  responsável pela conservação e evolução da batida afro baiana, intitulada de Axé Music. Eu só posso agradecer por termos o prazer de “swingar” nessa levada baiana que já atravessou e influenciou além das fronteiras, e por ser mestre em uma arte e ter o nome na história da percussão do Olodum e da Bahia. Mas tambem por passar esse ofício com todo o amor e generosidade do mundo para aqueles que mais precisam de força, ajuda e inclusão social atavés da percussão, os jovens. O rufá desses tambores traz muita gente do mundo todo, para esta terra mágica chamada Salvador da Bahia. Sabemos que o samba reggae hoje e reconhecido, e muito bem tocado internacionalmente nos 4 cantos da terra. Agora temos que manter  a qualidade desses tambores aqui em Salvador, porque os atuais regentes e as bandas de blocos afros estão muito repititivos, fazendo as mesmas celulas.  A exposição do ritmo criou-se um desgaste  percussivo enorme e o samba reggae só tem força no Carnaval. Acredito que podemos manter o movimento samba reggae por muito e muito tempo ainda, mais precisa de restruturação, pricipalmente em quem pariu o ritmo. O movimento Os Tambores de Rua tem muito a dá, como musica de conotação Afro-Pop. Eu tô organizando em um projeto percussivo e pretendo aquecer os tambores com levadas, ritmos e swings diferenciados existentes no samba reggae e revelando novos percussionistas no mercado. Esse legado não poder morrer. Eu vivo samba reggae!

Documental entero aquí 

Mundo Vegetal

Revista Uno Mismo - 2010

Texto original

Martín Buscaglia - Vanguardia Charrúa

    Revista Beglam - 2010

Maru Botana

Gastronomía Afroamericana

 Revista Foodie - Diario El País (Uruguay) - Mayo 2010

Dante Spinetta - Revista Beglam

BEGLAM - JUNIO 2011

Alejandro Jodorowsky

El señor de los símbolos 

Cineasta de culto, actor, escritor, investigador, místico, tarotista, es el creador de la Psicomagia, una terapia basada en el poder transformador del arte que dialoga con el  inconsciente.

Diego Oscar Ramos - Revista Beglam

    Si hay algo que el humanista chileno ha estado haciendo desde que pusiera sus manos en el arte, como poeta y hombre de teatro en Chile hasta como mimo junto a Marcel Marceau o cineasta de culto con El topo o La montaña sagrada, ha sido bañarse en símbolos e invitar al  mundo a mojar sus pies en esas aguas. Y es que sólo tomando conciencia del poder que tiene lo simbólico en la humanidad podremos comprender una obra tan valorada, que incluye admiradores como John Lennon o Marilyn Manson, como polémica por cierta crudeza en muchas etapas de su creación. Y sobre todo por su creación más apreciada por él mismo, la Psicomagia, una disciplina terapéutica que nació de búsquedas místicas y crisis personales, cuando comprendió que lo que más lo hacía feliz era darle a las personas algo que les hiciese bien, que aportase algún tipo de cura. Claro que, hasta el presente, esta unión de saberes chamánicos, psicoanalíticos y teatrales, han hecho de Jodorowsky un ser que, cerca de los 80 años, ejerce una fascinación a su alrededor que incluye testimonios de quienes han superado antiguos traumas cuando él los ha mandado a realizar actos mágicos, transformadores, como quien lo critica por no contar con títulos científicos para aportar cura a los males humanos. Presente en Buenos Aires para realizar un acto simbólico de cura del dolor por la desaparición de personas durante la última dictadura, el hombre de los símbolos sanificadores trajo con él un culto al diálogo intenso que se manifiesta apenas con saludarlo con respeto e interés por su propia humanidad. 

- ¿Cómo se siente, hoy, Alejandro?

- Bueno, es una pregunta un poco compleja. Mentalmente estoy en paz, he terminado con el diálogo interior, logro hacer el silencio mental y puedo recibir mis ideas tranquilamente. No estoy enojado con nadie, no tengo definiciones, no pertenezco a partidos políticos, mi nacionalidad es difusa y la edad sólo la encuentro en el espejo. Emocionalmente, no critico a nadie, no tengo rencores, estoy en paz. Me preocupan mis hijos, muchísimo, porque están en pleno desarrollo. Y tengo una mujer que me llena el corazón. Estoy contento. Sexualmente, soy fiel, no porque crea en la fidelidad, pero porque no tengo más energía que para una. A esta edad uno es fiel por obligación.

- ¿Respondió a una cuestión sólo de edad o porque encontró una mujer que le hizo sentir eso?

- Me hizo sentir eso (con voz risueña). Pero como da como vergüenza decir que uno es fiel en esta época en que casi nadie es fiel, lo adjudico a mi edad. Pero, creativamente, es una leyenda que a medida que uno envejece crea menos y pierde facultades. Al contrario, se desarrollan. Es muy simple si tú vives una vida sana. Para lograr lo que he logrado a la edad que tengo, no he bebido, ni he fumado, ni me he drogado. Me he cuidado, porque la vida puede ser larga.

- Es curioso, porque su cine haya sido objeto de culto por comunidades contraculturales ligadas al consumo de psicotrópicos, a finales de los ´60.

- Pero porque dije: “Yo no quiero tomar droga, quiero ser la droga”. Entonces hice películas que hacían el mismo efecto que el LSD. El arte debe ser la droga, el artista no tiene por qué ser un drogado. Debe convertirse en la droga, eso es lo que viví.

- ¿Le sorprende que aún se emparenten búsquedas místicas, estéticas y psicológicas con el uso de drogas?

- Es por necesidad, cuando una persona no tiene la fuerza de hacer el trabajo interior, necesita de pronto una ayuda exterior. El peligro no es tomar una vez o dos veces un psicotrópico, el peligro es hacer de ellos un vicio y una forma de entretención para fiestas, una cosa superficial. Es la autodestrucción.

- ¿Y el trabajo con ciertos mitos de diferentes culturas puede ser adictivo? Es decir, ¿puede haber un componente destructivo en el profundizar o trabajar sin cuidado con arquetipos?

- Bueno, el hombre débil, hasta con la Coca Cola se puede suicidar. Depende de la fuerza que tenga la persona. Las débiles deben tener cuidado, las fuertes tienen que tener una inmensa curiosidad de verlo todo, incluso de verse a sí mismos. En el tarot de Marsella hay una carta llamada El diablo, que tiene ojos por todos lados, eso significa que no tiene miedo de verse. Uno de los grandes impedimentos del progreso de la conciencia es el temor de verse, porque nos obliga en todos los lugares a tener buenas notas. En la familia tienes que ser gentil, buenito, en la escuela tienes que tener inteligencia, tienes que ser bueno. Y la mayoría de las personas débiles se están justificando todo el tiempo y tienen miedo de verse. Entonces, de vez en cuando usan el alcohol como ayuda, pero al final el alcohol termina convirtiendo a la gente en un estropajo, en un violento, rompe a la gente, las destroza. No sirve. Un hongo alucinógeno, una vez es muy útil, si no sigues, te muestra un poco quién eres tú fuera de tus límites, eso puede ser bueno.

- ¿Tuvo miedo alguna vez a la disolución?

- Yo no. Pero lo que más me molestó, porque tuve un maestro al que le pedí que me iluminara y me dio un LSD. Primero me dio una gran rabia de la demolición de mi ser, que yo no la había pedido, son ocho horas de soportar un estado bastante inquietante, pero después me acostumbré y lo pasé muy bien ese día. Lo usé para descubrirme a mí mismo. ¡Pero hay que tener cierta valentía psíquica, ehh! No todo el mundo la tiene. No es que los critique.

- ¿Qué características tiene una personalidad débil?

- Las personalidades débiles son subyugadas por un ego más fuerte. Pueden admirar un futbolista, un cantante de rock, una estrella de cine o de tv. Empiezan a admirar personalidades fuertes. La persona que quiere encontrarse, lo primero que tiene que hacer es no ser subyugada por personalidades fuertes, se puede acercar a un maestro, que tiene personalidad fuerte, pero no tiene porqué entregarse a él de manos y pies atados. Tiene que siempre tener una mirada objetiva y acercarse a las personas con personalidad fuerte, ver para qué te sirven, pero no entregarse.

- Esto sirve para todos los órdenes de la vida, para pensar cuestiones artísticas como para encontrar un maestro de conocimiento, ¿no?

- Claro, incluso para tu familia, para todo. La primera preservación, el primer cuidado que tienes que tener es tu integridad psíquica. Tienes que tener tu jardín secreto, donde solo tú entras. Es lo primero. 

- ¿Puede hablar más sobre el jardín secreto?

- Es un sitio tuyo que no das. Puedes tener tu nombre secreto, tus gustos secretos, tus pensamientos secretos. Te encuentras contigo mismo, tranquilo. No es egoísmo. Porque es un sitio privado que después te permite dar y actuar con los otros.

- ¿Qué entiende por salud, tanto para una persona como para una sociedad?

- La salud es ser lo que tú eres, no lo que los otros quieren que tú seas. Cuando estás siendo lo que tu familia, tu sociedad o tu cultura piden que seas, pero tú no eres, estás enfermo. Cuando estás siendo realmente lo que tú eres, y te obedeces a ti, entonces empieza la salud. También cuando trabajas en lo que te gusta y cuando te gusta aquello que haces. Y si una sociedad está imitando a otra está enferma. Todo el movimiento económico de las sociedades actuales están imitando una sociedad económica central y están enfermas porque están endeudadas con ella. Cuando un pueblo va a realizar sus propios tesoros, su propia cultura, su propio modo de vivir, eso es salud.

- Usted ha asegurado que vivimos un tiempo de conexiones neuronales caducas. ¿Cómo vincula este tema con lo que estábamos hablando?

- Creo que habiendo vivido lo que hemos vivido, el desarrollo del mono hasta el ser humano actual, hemos empezado bastante limitados como animales y hemos ido subiendo, poco a poco, por la civilización, hacia el ser humano. Pero el ser humano está en formación, nos falta mucho para llegar a la perfección. El momento actual es el de un cambio de conciencia, por eso se habla tanto del 2012. El mundo no va a terminar, pero se anuncia el deseo de un cambio de conciencia.  Por otro lado, hay otro grupo que se está animalizando, militarizando. Nuestras sociedades están enfermas de una vieja cultura. Lo que nos está impulsando un poco al cambio son las nuevas técnicas, como la Internet, una revolución técnica, no moral. Pero como todo tiene significados varios, puede ser también espiritual, nos puede servir si lo aprovechamos bien. Tengo una gran fe, de que vamos hacia un desarrollo, pasado el derrumbe de esta sociedad económica.

- Rolando Toro, el creador de la Biodanza...

- Rolando Toro fue un amigo de la juventud, no era todavía el creador de la Biodanza, era poeta.

- El solía decir que a nivel afectividad la humanidad aún estaba en la edad de piedra. Y que el mundo precisaba un crecimiento potente en ese nivel.

- Sí. Y el vehículo de las viejas actitudes humanas, por un lado son las religiones, que transmiten una moral, entre otras cosas, antifeminista. Y la familia, que va repitiendo modelos. Acabo de terminar un libro, que se llama Metagenealogía, ir más lejos que la genealogía. Son casi 700 páginas, donde describo todas las trampas que hay en las familias y todo el tesoro que hay. Los seres humanos son portadores de un gran tesoro, dentro de una cárcel, caminan dentro de una cárcel de paredes transparentes. Es una cárcel mental y hay un tesoro dentro de esta cárcel, que tenemos que descubrir, la esencia del ser humano. No usamos el cerebro completo, usamos unas poquitas células, para el estado de vigilia y millones de neuronas para el sueño, para el inconsciente. Entonces somos mucho más inconscientes que conscientes. Pero tengo una gran fe, de que vamos hacia un desarrollo, pasada la crisis, pasada la violencia, pasado el derrumbe de esta sociedad económica, se va a derrumbar.

- En uno de sus libros usted habla del gusano que, al transformarse en mariposa, debe dar un salto total de su condición anterior, para no sentirse luego apenas un gusano con alas. ¿Esta humanidad de hoy puede olvidarse a sí misma como cree que es para pasar a otro modelo?

- Llegaremos, con gran trabajo, con mucha más oportunidad en el continente centro y sudamericano, porque hay una vida más primitiva, más cerca del corazón. Con mucha más dificultad en los países europeos,  que están presos en la cárcel mental, desde años. Pero se llegará, porque si no el mundo se acaba.

- La gente que ayuda a otros a sanar heridas internas, no siempre logra sanarse a sí mismo, ¿cómo fue su proceso para sanarse?

- Me fui buscando, tuve el valor de verme a mí mismo. Mira, Adán, que es hijo mío, tiene una canción sobre el incesto, el vio su pulsión incestuosa y la muestra. No hay vergüenza en tener una pulsión, porque las pulsiones hay que verlas, otra cosa es que la pases al acto. Entonces me fui viendo y en la medida en que estaba enfermo, empecé a curar a la gente que tenía los mismos problemas. Y curando a la gente te curas a ti mismo, es un proceso, tú das y te dan. Por eso digo: “Lo que das, te lo das. Y si no das, te lo quitas”. Para poder obtener hay que dar, eso también, psicológicamente, es igual. No tienes por qué ser totalmente sano para curar a los otros, al contrario, si has pasado por una enfermedad, es la que mejor curas.

- Me recuerda a lo que su maestro zen, Ejo Takata, que fumaba y le habló de subirse a la barca aunque esté despintada.

- Claro. “No te preocupes de que la barca esté mal o bien pintada.  Preocúpate de que te ayude a cruzar el río”.

- ¿Se siente una persona fiel a sí misma?

- Bueno, esa pregunta. Es terrible, porque si te digo sí soy vanidoso. Y si digo no, soy un tipo que no se ama a sí mismo. Tendría que contestarte que soy una persona fiel a mí mismo.

- ¿Qué imagen le vino cuando le mencioné la palabra fidelidad?

- No hay que ser vanidoso y hacerse propaganda. No soy un gurú. Soy un artista humano, no soy la perfección. Hablar en mí en términos de perfección es muy molesto. No puedo, pero tengo que reconocer que soy fiel a mí mismo en la medida en que no cometo errores. Porque puedo cometerlos y ser un infiel, pero si me doy cuenta me detengo.

- ¿Qué considera un error?

- Aceptar situaciones que no me corresponden. Y decir “Sí, hago esto” por debilidad, por falta de atención.

- ¿Qué valores siente como centrales, que lo construyen?

- El valor central es la búsqueda de una conciencia completa, es decir, ir rompiendo límites de la conciencia, para llegar a una mentalidad infinita. Eso es la búsqueda, no es la obtención de lo que quiero, lo primero que nada. Segundo, comprender a todo el mundo, llegar a la no discriminación, a no juzgar a nadie, a ver a la persona de forma objetiva, no juzgarla. 

- Cuando venía para aquí, a verlo, se me vino la imagen del Mago de Oz…

- (Se ríe, con expresión de satisfacción). Acabo de venir de un festival de Cine Extraño en París, donde me invitaron, donde presenté El mago de Oz, como película iniciática. Y mucha gente me comparó al mago por la explicación que di. Porque la muchachita, que va con su perro, es el cuerpo, como el loco del Tarot. El hombre de acero, que no tiene corazón, es el emocional. El espantapájaros, que es tonto, es el intelecto. Y el león, que es cobarde, es el sexo, en este caso castrado. A cada uno le dan su premio, con un diploma el espantapájaros se siente inteligente, con un reloj en forma de corazón el hombre de acero se siente que ama. El león, que le dan medalla del valor, se siente poderoso, capaz sexualmente. En ese momento ella encuentra su camino. Haces bien en compararme. El mago de Oz es una persona que usa técnicas para ayudar a la gente. 

- Y se siente cómodo ahí, ¿no?

- Soy cómodo, porque no soy mago. Pero ando buscando útiles que ayuden un poquito a aliviar al ser humano.

- ¿Y qué siente frente a quienes le hacen críticas porque no tiene formación científica, que lo quieren invalidar porque no es médico?

-  No me siento mal, siempre lo he dicho. El psicoanálisis está hecho por médicos, que ven los sueños y los conducen a lo racional, los analizan. Yo no soy científico, vengo del arte, tomo el racional y le enseño el lenguaje de los sueños, es el camino inverso. Y precisamente por eso puedo servir, porque el inconsciente no es científico, es totalmente irracional, es artístico. Para poder comprender a alguien, si eres científico, no lo comprendes. Es como querer saber lo que son las rosas y deshacerlas en pétalos, pistilos y estambres. Un artista toma la rosa y la cuida, no la corta, siente su perfume. Y la comprende.

- ¿Y un científico que la diseccione, pero luego la pinte?

- Pero no se trata de pintar una rosa, se trata de hacer vivir las rosas. Es diferente. Yo dije: “Para una rosa las espinas son muy agradables”. Estoy comprendiendo la rosa. Pero no estoy contra la ciencia. La ciencia debe aplicarse donde pueda aplicarse. Por ejemplo, los cirujanos actuales han hecho cosas que son una maravilla.

- ¿Esa dicotomía, no está dentro de esas conexiones caducas de las que hablábamos?

- Claro. Los científicos han hecho progresos formidables, pero hay que aplicarlos a lo que pueden. Lo aplican al cuerpo, pero la ciencia aplicada al inconsciente es una aberración.

- ¿Y cómo vive hasta hoy el recuerdo de la experiencia con sanadores populares, operaciones de curanderos?

- Eso lo he contado mucho ya en La danza de la realidad. Me ha servido mucho.  Cree la Psicomagia y lo que tuve que crear, no copiando, aprendiendo, porque en todo puedes aprender, hasta de una araña cazando una mosca. Hay que observar. Con el Tarot de Marsella aprendí a leer, con los arcones menores, me pasé años viéndolos, hasta que aprendí lo que querían decir. Aprender a ver es fijar la atención. Cuando tú fijas la atención, aparece la magia.

- La magia es, entonces, algo que está aquí mismo.

- El mundo es mágico, no es racional, es un milagro continuo. Que esas mujeres (dirige su mirada a una escena que está aconteciendo en el hotel donde se realiza la entrevista) estén bajando la escalera, es que tienen los huesos de sus caderas bien en su sitio. Como el esqueleto está funcionando bien es que pueden bajar. No se dan cuenta, pero pon ahí una persona que no pueden andar y que le fallan los huesos, que ande cojeando, ese sí se va a dar cuenta que es un milagro andar. Nosotros usamos las manos y vemos, el otro día cerré los ojos en el avión, y vi que lo que había visto antes se reproducía completamente dentro de mi cabeza, en el negro. Estamos continuamente fotografiando con los ojos. Lo que vemos dura unos segundos dentro del cerebro, luego las fotos se van borrando, pero se necesitan. Muy bien tú podrías desarrollar, hay gente que lo ha desarrollado, que con una mirada, cierran los ojos y te dicen todo lo que vieron, porque lo recorren.  Aprendes a ver. Yo con un rinconcito que veo del Tarot, te digo que carta es. Porque me lo conozco, mi atención ahí está dirigida.  Pero hay espías, ciertos policías de perfección, que con una mirada sola te graban todo y luego te lo reproducen. Eso existe, no te estoy diciendo nada raro. Depende del entrenamiento. Por eso, donde fijas la atención, está la magia. No es que nace, la ves.

- Pareciera que estamos disponibles a ver la magia, después de tener pérdidas o luego de todo un camino de búsqueda, para llegar a algo que ya estaba acá. ¿Ese es nuestro relato como especie?

- Es la iniciación. Porque tenemos que recorrer toda la escala, desde el mineral. Tenemos todo eso en el cerebro, fuimos minerales, vegetales. Tenemos que recorrer todo ese largo camino para llegar  a lo que vamos a hacer. Porque todavía no somos lo que vamos a ser. Lo seremos.

- ¿Y qué vamos a ser cuando evolucionemos?

- Vamos a ser telépatas todos. Vamos a poder mover objetos con el cerebro, probablemente ayudados por máquinas, que son una prolongación nuestra. Las nuevas técnicas no son extranjeras a nosotros. Ahora las tienes fuera de ti, con la nanotecnología las tendrás dentro de tu cuerpo, introyectadas. Y va a ser un cambio feroz de la humanidad, para bien o para mal. Pero esos aparatos los tendrás en el cerebro, injertadas. Las máquinas son nuestro resultado mental. No son extranjeras a nosotros, son como las telas para la araña, sólo que la araña tiene su tela perfecta ya. Nosotros, en las máquinas, recién estamos desarrollando las telas de la araña. Y lo vamos a lograr, poco a poco.

- En muchos momentos ha hablado del instinto, ahora lo escucho mucho hablar del dar, de la parte más afectiva del ser humano. Y usa la palabra corazón.

- Eso es instinto. Eso es lo que es. Tengo gatos, tengo dos ahora, los adoro. Yo me pongo así, vienen y se ponen aquí (en su pecho), se acuestan en mi lado izquierdo. A veces ni los muevo, estoy escribiendo los twitters, con una mano, porque no quiero molestarlos. Un día me pregunté: “¿Por qué está ahí el gato?, ¿Por qué no se pone en la pierna, en el vientre?”. Me di cuenta que se pone donde está latiendo mi corazón. Se ponen en el centro emocional mío. Ellos sienten el corazón. Entonces, en todo momento estamos  latiendo, respirando y viendo. El feto, cuando está adentro de la madre, desea respirar, el está latiendo, ya lo sabe. Cuando ves por el microscopio la yema de un huevo fecundado, hay un punto rojo que está latiendo, ese será el pollo. Primero está el latido, luego está el ser. Nacemos del latido. El latido lo tenemos, no tenemos la respiración ni tenemos la luz. Entonces ansiamos completar el latido con la luz, por eso se llama “dar a luz”. Y con lo otro, que es la respiración. Nuestra propia respiración, porque estamos respirando por la respiración maternal. En el momento en que cortamos el cordón umbilical entramos en nuestro propio ritmo respiratorio. Y somos nosotros. Es el instinto de respirar, el instinto de ver. Y todo eso basado en el latido del corazón, que tiene que ser el latido del universo. ¿No me digas que no es instintivo amar? ¿Por qué Rolando Toro, que lo citas, inventa la Biodanza? ¿Por qué es muy importante? Porque es muy simple: la Tierra gira alrededor del sol, el sol gira alrededor de una estrella mayor, la estrella mayor gira alrededor de una más grande, la galaxia entera alrededor de otra galaxia. Y todo el universo es una especie de danza de elementos que están girando y moviéndose. Es una danza cósmica. 

Sudamérica y el abrazo del padre

- ¿Hoy siente más cerca las posibilidades de cambios sociales que en la época en la cual estaba realizando sus primeras películas? 

- Sí, porque ahora tengo el regalo de poder manifestar mis ideas, hace unos siglos me hubieran quemado. Es un regalo que una persona como yo pueda hablar de estas cosas, antes estaba prohibido, entonces vamos progresando, lo mido por lo que me sucede. Cuando empecé con la contracultura y todo eso, estaba en mi ombligo, totalmente en el plan de triunfar artísticamente, creía en eso, que triunfar era obtener aplausos y admiración por una obra donde hablaba de mí. Después por enfrentarme al dolor de la pérdida de seres amados, caí en crisis, empecé a preguntarme qué significaba el arte, para qué sirve, era un bufón de la sociedad, sobre todo de una sociedad que tenía el dinero, mientras gran parte de la sociedad se estaba muriendo de hambre y sufriendo, para qué servía el arte. Y llegué a la sensación de que no iba a hacer más un arte personal, quería hacer un arte terapéutico, que sirviera para sanar y ayudar. Entonces di un paso, el ombligo se abrió y entré al mundo. Entré a preocuparme del mundo, lo que es diferente.

- ¿Y las figuras fuertes en su vida fueron apareciendo en simultáneo con esa apertura, o primero fueron apareciendo estas figuras y fue sintiendo luego la apertura?

- Las figuras nunca aparecieron, siempre las busqué. Cuando veía alguien que me podía aportar, yo lo iba a buscar. Nos buscábamos. Es increíble que en esa época de Chile, un país tan alejado, había un Rolando Toro, que después hizo la Biodanza mundial, había yo, que cree la Psicomagia, había poetas y una serie de gente que se andaba encontrando, no es que se andaba buscando. Después cada vez que he visto a alguien interesante para mí lo he buscado, en todos los terrenos, porque el ser humano aporta al otro ser humano si tú crees. Uno no puede medir el mundo con la vara de medida de su ego, no quiero usar mi ego como medida del mundo, hay otras medidas que me gusta conocer y discutir.

- ¿Qué siente que hay en Chile que, en la misma época, surgieron figuras que buscaron este nuevo ser humano, más completo, más integrado? Pienso en Rolando Toro, en Humberto Maturana, en Claudio Naranjo, en usted.

- Es en todos los países. Aquí nació Borges. Él ahondó en la metafísica, también se salió del plano personal. Fue transpersonal en el estudio de lo que es metafísico, en el amor a la literatura fantástica. Aquí tienes a Antonio Porchia, un inmenso poeta metafísico, poco conocido. Pero supongo que en la Argentina lo tienen que venerar. Yo lo venero, con Voces y otras voces. He intentado que lo traduzcan, porque es un fenómeno. Y está en la Argentina. En todos los países hay.

- Mi pregunta no implicaba no ver el mundo, pero me pareció muy particular que salieran buscadores de un paradigma nuevo en una misma época y en un mismo lugar, como de una misma matriz.

- Te voy a explicar porqué.  Tanto (Julio) Cortázar, o los chilenos como Nicanor Parra, había la guerra en los años 40, se estaban matando millones de personas. Y en Argentina y Chile no pasaba nada, Argentina vendiendo su carne se hizo rica, Chile también vendiendo su cobre. Era un momento increíble de fiesta, mientras  mataban 6 millones de judíos nosotros decíamos “¿Qué fiesta hay hoy?”. Veíamos la guerra como un partido de fútbol. No nos tocó la guerra. Toda la libertad del mundo, toda la euforia de vida se concentró aquí.

- ¿Cuando dice aquí piensa también en Brasil, en toda Sudamérica?

- Brasil no lo conocí bastante. Conocí principalmente Chile y Argentina. En Chile en esa época no había televisión, era como una isla cerrada. Lo más cercano era Argentina y ahí arriba, arriba, era Bolivia, con quien estábamos en deuda, porque le habíamos robado las tierras del norte. No había comunicación. No sé si en otros países hubo esa euforia, pero en Argentina y Chile la hubo. Aquí en Argentina estaba el Rico Tipo, era una maravilla esa revista. Y en las revistas infantiles había el Billiken, era una maravilla, cosas que pasaron aquí.

- Se le iluminan los ojos cuando habla de estas revistas.

- Es mi infancia. Me trae recuerdos de mi infancia, me nutrió eso a mí. Mi infancia y adolescencia. Cuando se habla de Argentina y el tango, lo único que me recuerda es que mi madre estaba enamorada de los cantores de tango, me acuerdo de haber ido con ella a un recital de Hugo del Carril, y del doctor Castillo, era admiradora de eso. Yo quería ser cantante de tangos, para seducir a mi mamá, inconscientemente. ¿Y qué me resultó? Tengo un hijo rocker, Adanowsky, que me realizó el ser cantante.  Así que lo admiren.

- Al final del documental Constelaciones, hace un trabajo de psicomagia con el realizador del documental, si tuviese que ponerse ahí con su hijo, con su madre…

- Lo hice muchas veces, el árbol genealógico. Te tendría que hablar horas.

- Se lo propuse en relación al tema que salió, del canto…

- Yo le hice análisis de árboles genealógicos a gays. ¿Y qué hay? Siempre vi que la persona gay tiene padres que reprimieron las pulsiones homosexuales. Los hijos las realizan. Entonces yo reprimí el deseo de ser cantante de moda, de escena, porque mi madre los admiraba. Entonces mi hijo lo realizó.

- ¿Y su padre que reprimió que usted haya realizado?

- Mi padre fue un filósofo fracasado. A los 13 años se encontró con su padre muerto y tuvo que trabajar en un circo, pero él quería ser el gran pensador, era un gran nihilista. No creía en nada. Por eso yo entré en el Zen, que es nihilista. La base de mi pensamiento es no creer en nada. Y de ahí empezar a creer en lo que acepto y vivo como real.

- Ese no creer en nada y entrar en el nihilismo, ¿era como abrazar a su padre?

- Cierto, claro. Tú siempre buscas a tus padres. Siempre creí que no me interesaba que mi  madre me amara. Y en la leyenda familiar, el padre de mi madre se quema vivo cayendo en un tonel de alcohol al prender una lámpara. Y luego una amiga psicoanalista dijo: “¿Cómo que no te interesa y que no tienen ningún complejo de Edipo? ¿Cómo mueres en El Topo?”. En El topo soy un monje que se echa una lámpara de alcohol en la cabeza y se quema vivo, como mi abuelo. Me quemé como mi abuelo porque el ideal de mi madre era su padre quemado. Uno, quiera que no quiera, tiene el amor al padre y la madre, aunque diga que el padre es una mierda. Ese amor está en ti. Y el odio a los padres es solamente amor no realizado. Se convierte en odio, en rabia, en dolor. Pero somos animales y está impresa en nuestra alma el amor materno y el amor paterno.

La danza del conocimiento

    Alejandro Jodorowsky Prullansky, nacido en Chile en 1929, bien podría responder a un esquema de hombre de conocimiento renacentista. Se ha desarrollado como escritor, dramaturgo, cineasta, guionista de comics, escenógrafo, mimo y más tarde tarotista y psicomago, áreas donde ha unido todas sus experiencias y conocimientos. Polémico y explorador desde sus inicios, hizo del mimo un arte performático y con ese impulso trabajó en Francia con Marcel Marceau, a quien le desarrolló algunos de sus actos más reconocidos. Fundó el Grupo Pánico junto a Roland Topor y Fernando Arrabal y filmó películas ultrasimbólicas como El Topo o La Montaña Sagrada, que le valieron la adoración de la contracultura psicodélica a fines de los 60. En este período tuvo contacto con sanadores y chamanes mexicanos, de quienes dice haber recibido un fuerte legado de saber, el que complementó con un prolongado período de práctica de Budismo Zen. Ya en París, donde vive desde 1980, se especializó en el Tarot de Marsella y desarrolló la Psicomagia, como terapia de curación a través de actos autocurativos. El tan reconocido por estas prácticas como por los guiones de historietas místicas realizadas con dibujantes míticos como Moebius y sus numerosos libros, donde su propia historia pasa a ser parte de su trabajo intelectual. Entre sus textos más reconocidos están La danza de la realidad, Psicomagia y La vía del Tarot.

Artículo Original

Beglam - Junio 2011